「ゴッホ展 空白のパリ時代を追う」感想

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ようやく宮城県美術館にて、念願の「ゴッホ展」観てきたわけだけど、予想に反してこれは難易度高いと思う。

フィンセント・ファン・ゴッホといえば、まず思い浮かぶのは「ひまわり」「星月夜」「アルルの跳ね橋」などの、うねるような描線と独特な色使いの作品だと思う。

しかし、今回のゴッホ展は「空白のパリ時代を追う」のサブタイトル通り、ゴッホが前述の作風を確立する前の作品が中心となっている。

この展覧会を観て、やっぱりゴッホは上手いわ〜と、手放しで褒めることは難しい。

そう、そこに冒頭の、難易度高いという言葉の意味がある。

だって、誤解を恐れずに言うならば、この展覧会のゴッホの作品は、下手だ。

最初に展示されている「農夫の頭部」も、正直びっくりした。

ゴッホってこんなに下手だったのか?

とにかく、観る作品が驚きの連続である。

非常に安定感がないし、デッサン力もかなり怪しい。

作品ごとの完成度にバラつきがあるならいざ知らず、その不安定さは1枚のカンバスの中にさえ及ぶ。

1枚の作品の中で、カンバスの一部は完成度が高いのに、別の部分では嘘だろというくらいにクオリティが下がる。

なぜ、この作品をここで完成としたのか?

もうちょっと手を入れた方が良かったんじゃないのか?

観ている間中、頭の中が疑問符だらけ。

そして、その答えは意外にもカンバスの外にあった。

それが、作品のネームプレートだ。

作品のネームプレートや目録には、その作品の制作年代が記入されている。

この「空白のパリ時代を追う」の作品群は、およそ2年間のパリ時代の作品を中心に展示されている。(※1)

2年間?

嘘だろ?

2年間でこの数って、油彩のペースじゃないぞ!

油絵具は、非常に乾燥に時間がかかる画材だ。

乾燥が遅いことが、油絵具のメリットでありデメリットでもある。

メリットとしては、他の画材に比べて、修正が容易であること。また試行錯誤に向いていること。

デメリットとしては、意図的に混色するのでなければ、塗り重ねる際にいちいち乾燥時間が必要なこと。

それゆえに油絵の制作には必然的にある程度の時間が必要になる。

それにもかかわらず、この大量の作品。

おそらくゴッホは、油絵具の乾燥すら待てなかったのだろう。

そして、およそ短期間とは思えない作風の劇的な変化。

また、特に遠近法を強調する必要がないと思われる作品に、パースペクティブフレームを使用したりする実験的な姿勢。(※2)

なるほど…。

ゴッホは、自分がブレイクする作風を必死に探していたのではないか?

そして、生前絵が1枚しか売れなかったというゴッホには、それは非常に火急の問題であったはずだ。

その焦燥感と疾走感は、この空白のパリ時代を経て、アルルへ渡り、この2年後に悲劇の死を迎えるまで続くのだ。

今回のゴッホ展は、いわゆるゴッホと言われて思い浮かべる印象の作品は少なめである。

しかし、ゴッホの作品が最終的に人々の心を打つようになる過程を何より雄弁に物語っているのがこれらの作品なのであろうと思う。

(※1)展示されている52作品のうち、ゴッホの作品が51、パリ時代の作品が44。カンバスに重ね描きされているもののあるので、その制作数はもっと多いと思われる。

(※2)パースペクティブフレーム:遠近法の作品を描くためにゴッホが使った補助枠。枠の中に放射状に糸を張っている。CGソフトではパース定規など同等の補助機能があるものがある。

ゴッホ展 パースペクティブフレーム

※ゴッホ展にてパースペクティブフレームを知る



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「若冲が来てくれました―プライスコレクション 江戸絵画の美と生命―」感想

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「若冲が来てくれました―プライスコレクション 江戸絵画の美と生命―」観てきました。

仙台市博物館では、2013年3/1〜5/6まで、その後、岩手県立美術館、福島県立美術館で順次開催されます。

「若冲が来てくれました―プライスコレクション 江戸絵画の美と生命―」(公式サイト)

今回の展覧会は、東日本大震災の復興支援のために、アメリカのプライス夫妻のご好意によって企画されたもの。

東北の子供たちに、元気を取り戻して欲しいという願いから、展示構成も工夫されている。

【岩上猿猴図】(岩のうえのサル)のように、オリジナルの作品タイトルに、子供向けの作品タイトルを並べて付けたり、解説をクイズ形式にして、絵解きを実際に楽しめるようにしたりと、江戸絵画を楽しむのに有効な仕掛けになっているのが特徴だ。

また、子供だけではなく、大人にとっても、日本でまだ若冲が注目される前から江戸時代の作品を収集していたという、プライスコレクションの先見性と厚みを、実際に観ることが出来る数少ない機会である。

「若冲が来てくれました」と銘打っているものの、伊藤若冲にとどまらず、円山応挙、曽我蕭白、長沢芦雪、酒井抱一、鈴木其一、亀岡規礼、河鍋暁斎、…とそうそうたる画家の作品が来ている。


僕が、まず心奪われたのが、序盤に登場する、葛蛇玉の【雪中松に兎・梅に鴉図屏風】(雪の夜の白いウサギと黒いカラス)

この屏風の前に立った時に、
「これは完成した瞬間はさぞ気持ち良かっただろうな」
と感じたのだ。

時空を越えて、葛蛇玉と一緒に、屏風に白い絵具で一心不乱に雪を散らしている自分がそこにいた。

僕は、自分も絵を描いているからなのか、絵画を鑑賞する際に、画家がその作品のどこをアピールポイントにしているのか分かることがある。

しかし、自分がまるでその作品を描いているかのように感じるというのは初めての体験で、これは素晴らしいものであった。


そして、生き生きとした江戸絵画の数々は、どれも素晴らしいものばかり。

技法を追求する一方で、常に遊び心を忘れず、また観るものを楽しませる心にあふれた作品の数々。

そこで僕は、最近の自分の絵に対する評価が、それが自分の描いたものであれ、他人が描いたものであれ、上手いか下手かといった二元論に囚われていることに気付いてハッとしたのだ。

幼い頃の自分は、ただ絵を描くのが楽しいから、それを描いていたのではなかったか。


若冲の絵、なかでも動植物の絵の一部は、博物画としてもとらえることが出来る精緻なものだ。

自ら飼育していたという鶏の正確な描写を観れば、彼の技術の高さは容易に伺える。

しかし一方で、若冲は、実物を見たことがない虎を、当時の限られた資料を模写し、後には自らのイメージで描いている。

描きたいから描く。楽しいから描く。


そんな思いがあふれているのが、今回の目玉作品である、
【鳥獣花木図屏風】(花も木も動物もみんな生きている)
だろう。

そこには様々な動植物が、実在、空想の区別なく、生き生きと描かれている。

色鮮やかなその絵は、どうやって描いたのだろうかと思う細かいマス目模様の集合で構成されている。


そう、これはおそらく若冲の曼荼羅なのだ。


東日本大震災のニュースを見た悦子夫人が、この作品だけでも日本に持って帰ろうと思ったというこの作品が、本当に感動と力を与えてくれる。


自分も被災者という立場で、復興への活動と自分の今後を模索する身として、素晴らしいものを観せていただき、とても元気をもらった。

美の力は素晴らしい。復興支援というのは、さまざまな形があるのだな。

そう思い、心から感謝したのであった。

まだの方は是非。感動します。おすすめ。

展覧会カタログも購入しました。こちらも素晴らしい内容でおすすめです。


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「フェルメールからのラブレター展」感想

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え〜行ってきました。宮城県美術館「フェルメールからのラブレター展」

何といっても、フェルメールの「手紙を読む青衣の女」修復後、世界初公開だし、仙台、いや日本で見られるってのもなかなかない機会である。

そもそも、今回の作品の収蔵されている場所は…

●手紙を読む青衣の女…アムステルダム国立美術館

●手紙を書く女…ワシントン・ナショナル・ギャラリー

●手紙を書く女と召使い…アイルランド・ナショナル・ギャラリー

普通なら3ヶ国回らないと見られないわけ。

しかも寡作であるフェルメールの作品を同時に3作品見られるなんてのは、もう千載一遇のチャンスである。

さて、今回の「フェルメールからのラブレター展」は「手紙を中心としたコミュニケーションのあり方」をコンセプトに、17世紀のオランダ絵画を中心に集められている。

もちろん、目玉はフェルメールの3作品で間違いないわけだが、こちらに集められている他の作品も当時のヨーロッパ絵画を良く知るための手掛かりになること間違いなし。

この頃のヨーロッパ絵画は、印象派以前のバロックの作品で、画面全体が非常に暗いのが特徴の一つである。

モチーフも、その当時の人々の暮らしであったりとか、あるいは現代で言えば写真館で撮ってもらった家族写真のようなポートレートであったりとか、日常的なものが中心だ。

そして、どれも細部まで非常に丁寧に描きこまれている。

この辺は良し悪しではなく、この時代の特徴と言えるべき部分である。

コンセプチュアルの方向に行ってしまった現代アートに比べて、非常に分かりやすい作品群なので、普段美術に接する機会の少ない人にもダイレクトにその良さが伝わると思う。

そして、いよいよラストがフェルメールの3作品。

それまでの作品を前座と言ってしまうのはおこがましいのだが、やはり、全然違う。

圧倒的な存在感がそこにはあった。

その他の作品が、やはり当然絵画であるのに対して、フェルメールの作品は、

「静止している映像」

僕はそう感じた。

窓にかかるカーテンを透過する光の加減、そこにいる人々、こちらを見る眼差し、存在する物語。

そのどれもが、次の瞬間にはその一時停止を解除されて動き出さんとする瑞々しさを持って、そこに静止し続けている…。

しかも、今回の絵画の修復で、上から塗られた保護用のワニスで曇った色調が取り払われ、映画でいうとデジタルリマスター版のように、鮮やかに生まれ変わっている。

会場には、その修復の過程もパネルに展示されていた。

なるほど、この仕事は素晴らしいなと思った。

修復前と修復後の作品の色調が全然違うし、曇ってよく見えなかった部分がしっかり見えるようになっているので、伝わってくる情報が格段に増えているのだ。

これらのフェルメールの作品を直に鑑賞出来たのは、とても良い経験であった。

まだの方は是非。ブログに書くのが遅くて申し訳ない…。


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「最後のマンガ展」感想

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「井上雄彦 最後のマンガ展 最終重版 <仙台版>」に行って来た。

「井上雄彦 最後のマンガ展」とは、「スラムダンク」「バガボンド」「リアル」でおなじみの漫画家・井上雄彦の肉筆画による一遍のストーリーである。

どういうことかというと、「バガボンド」をモチーフにした、描き下ろしの読み切り漫画1本の原画が、順番に展示されているという趣向なのだ。

ただし、その作品のサイズは通常の原画サイズのものから、壁画のような巨大なものまで様々で、ライティングや、その他の演出もなされているので、よくある漫画家の原画展示とは一線を画す、インスタレーション(※1)の一種と言って良いだろう。

東京、熊本、大阪を経て、今回の仙台版が「最終重版」になるとのことで、とても楽しみにしていた。

どういう経緯で仙台が選ばれたのかは知らないが、まずは単純に感謝したい。

というのも、仙台って住みやすくて良い所なんだけど、ことアート系の展覧会って、なぜか東北地方はスルーされがちな気がするんだよね。

今回の会場となった「せんだいメディアテーク」は、建物自体もパリの「ポンピドゥー・センター」(※2)のように美しいし、これを機会にもっと仙台にもアート系の展覧会が来て欲しいなぁ。

さて「最後のマンガ展」に話を戻すと、ストーリー的には、晩年の宮本武蔵の元に、一人の少年が訪ねてくるところからストーリーがスタートしているので、「バガボンド」の後日談にあたる部分だと思われる。

ただ、「バガボンド」は現在も連載中の作品で、ラストがどうなるのかまだ分からないのだが。

以前にも言及しましたが、「どのコマも額に入れて飾っておける」を地で行くマンガ展であった。

会場前にある、オブジェ(下記マンガ1コマ目)や、その周辺のにょろんベンチ(?)も必見!

最後のマンガ展

#01: "最後のマンガ展"

#02: "なるほど こうやって描いているのか"

#03: "これからは俺も筆で描く!"

#04: "筆 挫折"


※普通、漫画はペンで描くものです(笑)


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(※1)インスタレーション:現代美術における様式の一つ。アートのオブジェクトのみならず、展示方法や演出など、その空間までもをトータルで作品として表現する手法のこと。

(※2)ポンピドゥー・センター:フランスの首都・パリにある総合文化施設。伝統的な建物が多いパリにおいては異質ともいえるデザインであるが、とてもカッコイイ。


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